Archivo para 28 octubre 2010

Festival de Series: La música de Treme

El sábado por la noche estaba programado en uno de los actos que personalmente esperaba con más ganas, el taller de la música de Treme. Y es que Treme, la última creación de David Simon (The Wire), fue una una de las series que más me gustaron la temporada pasada. Para la gran mayoría, que no la conoce, Treme puede resumirse como la historia de unos músicos y otros personajes de Nueva Orleans unos meses después del Katrina.

En teoría, el acto estaba precedido por un pasacalles a cargo de la Dixieland Jazz Band, pero, según me dijo la organización del festival, se canceló. No sé si la banda tocó en el salón del Círculo de Bellas Artes antes del taller. En cualquier caso, la Dixieland Jazz Band interpretó unos cuantos temas al principio del acto, ya dentro del teatro, lo que sirvió como perfecta introducción a un taller que los seguidores de la serie pudimos disfrutar mucho.

El coloquio, moderado por el jefe de prensa de TNT, Juan Zabala, contó con la presencia de Juan Pedro Velázquez, el periodista de El País que fue enviado a Nueva Orleans a cubrir los acontecimientos del Katrina; Antonio Martínez, el creador del podcast sobre la música de Treme; y Mike Summers, trompetista de la Dixieland Jazz Band. Se habló principalmente de la música de Nueva Orleans, pero también de su historia, su cocina y su cultura en general.

Juan Pedro Velázquez aseguró que la serie muestra un retrato fiel de lo que fue la ciudad tras el Katrina. De hecho, sus habitantes se sienten muy orgullosos con la serie, hasta el punto de que los episodios de Treme se veían en los bares, como si de un partido de fútbol se tratase.

Como se comentó en el coloquio, Nueva Orleans es una ciudad muy activa musicalmente. Los contertulios explicaron que el jazz nació allí a finales del siglo XIX, cuando los esclavos se reunían en las plazas los días festivos para tocar y cantar. Poco a poco, se fue extendiendo hasta Chicago y por el resto del país. El Treme es precisamente el barrio donde viven la mayoría de músicos.

En la serie la música es la protagonista. Pero no sólo podemos escuchar jazz, puesto que en ella están presentes estilos muy diversos, desde el bounce hasta el zydeco. Según explicaron, en Treme aparecen músicos reconocidos interpretándose a sí mismos, como Elvis Costello y el trompetista Kermit Ruffins, a los que pudimos ver en el extracto que se proyectó del episodio piloto. Además, otros músicos aparecen interpretando papeles de ficción, como la virtuosa violinista Lucia Micarelli en el papel de Annie. En la charla se habló de músicos importantes en la historia del jazz que han aparecido precisamente en la ciudad, entre los cuales destaca el nombre de Louis Armsstrong.

No obstante, también se trataron otros temas. Antonio Martínez y Juan Pedro Velázquez hiceron recomendaciones para aquellos que alguna vez deseen visitar la ciudad, instándoles a no conformarse sólo con el centro histórico. También hicieron referencia a la cultura culinaria de Nueva Orleans, muy diferente a la del resto de Estados Unidos y basada en la tradición culinaria criolla y cajún.

El coloquio sirvió para acercarnos más a la música y la cultura de Nueva Orleans, más aún de lo que la serie ya ha hecho. Con otra breve actuación de la Dixieland Jazz Band terminó el encuentro, el último taller al que asistí en este segundo Festival de Series.

Miguel Esteban Rebagliato

Festival de Series: Producción original internacional

El viernes a las diez de la noche tuvo lugar el último taller de la segunda jornada del festival, en el que estaban invitados Fraser Robinson, director de desarrollo de guiones de Universal, y Belén Frías, directora de comunicaciones de FOX International Channels Europe. Ambos presentaron las propuestas de sus respectivos canales, que, si bien no son grandes nombres como HBO o AMC, se han iniciado en la producción de contenidos propios.

Fraser Robinson fue el primero en explicar la labor que su empresa realiza en todo lo relacionado con las series y, para ello, se centró en dos de sus principales canales, SyFy y Calle 13. Universal participa en la creación de contenidos mediante la coproducción, de manera que así tiene garantizados los derechos de emisión en sus canales. Con esta estrategia hacen series acordes a su marca.

Con SyFy buscan series que desafíen la imaginación, como es el caso de Sanctuary, Eureka y Haven. Pretenden ir más allá de la típica ciencia ficción, para poder llegar así al mayor público posible. En el caso de Calle 13, el canal apuesta por las producciones criminólogas, como Monk, Sullivan… Además, ambos canales prefieren las series que tienen historias diferentes en cada episodio, series que el espectador puede empezar a ver en cualquier momento de la temporada.

A continuación fue el turno de Belén Frías, que advirtió que a quien representa no es a FOX de Estados Unidos, sino a FOX International Channel Europe, la agrupación de cadenas de pago que se ofrecen fuera de EE. UU. y que constituye una de las muchas secciones de la gran empresa FOX. Para defender está diferenciación, FOX International se ha iniciado en la producción propia, lo que le permite estrenar contenidos en sus canales antes de que se emitan en otros.

En primer lugar, tuvieron un acuerdo con una cadena canadiense para hacer The Listener y después rodaron en Colombia Mental. Ahora han producido The Walking Dead y para ello han firmado otro acuerdo con AMC, que estrenará la serie en EE. UU. el 31 de octubre.

Rocío Ayuso, corresponsal de El País en Los Ángeles y moderadora de este taller, hizo una nota aclaratoria. Según señaló, la televisión vive un momento en que las mayores fuentes de ingresos de las cadenas proviene precisamente de la venta de sus contenidos a otros países. Por ello, la producción propia resulta un elemento clave para las cadenas.

Más tarde se debatió sobre el papel que podía tener España en esa venta internacional de contenidos propios. Belén Frías subrayó la dificultad que la producción española tiene para venderse en EE. UU., puesto que allí apenas se ve contenido europeo. Rocío Ayuso constató que en el mercado estadounidense se consume básicamente producto nacional, aunque en otros mercados las producciones internacionales se están vendiendo bien, especialmente las series históricas en inglés. Por su parte, Fraser Robinson concluyó que los espectadores suelen interesarse en los productos de tono norteamericano.

No obstante, esa noche, además de hablar sobre la producción internacional en general, FOX International presentaba The Walking Dead y Universal traía los episodios piloto de Haven y Sullivan (conocida en EE. UU. como Shattered). De The Walking Dead, no obstante, sólo pudimos ver un vídeo de 10 minutos, que no aportó mucho y supo a muy poco. El episodio no se estrenó para evitar la piratería, ya que todavía no se ha emitido en EE. UU.

The Walking Dead, según contó Belén Frías al hablar de la serie, es la historia de unas personas que tienen que organizarse para sobrevivir cuando un extraño suceso ha convertido a la humanidad en zombies. Sin embargo, no se trata de una serie convencional, pues está compuesta por seis episodios de casi una hora de duración.

Por lo que respecta a los estrenos de Universal, Sullivan trata de un policía que sufre un trastorno de personalidad. En cada episodio, este agente tiene que resolver un crimen y enfrentarse a sus tres identidades. Haven, inspirada en una novela de Stephen King, cuenta la historia de un pequeño pueblo en Maine, en el que un agente del FBI tiene que investigar unas maldiciones que allí suceden.

Sólo me quedé a ver Sullivan, porque se hizo bastante tarde. No obstante, el resultado no me convenció. Me dio la sensación de que no le sacaban todo el partido al elemento potencialmente más interesante, el trastorno de personalidad del protagonista, como el de United States of Tara. Puede que Sullivan luego mejore, pero no es una serie que vaya a seguir.

Miguel Esteban Rebagliato

Festival de Series: Bored to Death

El neoyorquino Jonathan Ames era uno de los principales invitados de este II Festival de Series de Madrid. A las seis de la tarde acudió ayer al teatro del Círculo de Bellas Artes a presentar la segunda temporada de su serie, Bored to Death.

Consciente de que muchos, entre los que me incluyo, no habíamos visto la serie y ni siquiera habíamos oído hablar de ella, nos resumió brevemente su argumento. Bored to Death cuenta la historia de un escritor frustrado que, tras haber sido abandonado por su novia y ser incapaz de publicar nada después de su primer libro, decide ofrecerse como detective amateur. La serie, en clave de comedia, aborda sus problemas y los de sus dos amigos, el jefe de una revista y un dibujante.

Antes de que pudiéramos ver el episodio que abre la segunda temporada, que pronto estrenará Paramount Comedy, Jonathan Ames respondió a unas cuantas preguntas sobre su trayectoria. Según contó, empezó a escribir de joven cuando estaba en un equipo de fútbol y se lesionó. Un profesor suyo le propuso escribir sobre los partidos y así empezó a interesarse poco a poco por la lectura y la escritura. En la universidad estudió lengua inglesa y al final de la carrera le publicaron su primera novela, I Pass Like Night.

Después pasó unos años sin publicar nada nuevo, como le ocurre al personaje principal de Bored to Death. Y es que precisamente el protagonista de la serie se llama Jonathan Ames. Nos explicó que a veces la gente paradójicamente le decía cuando escribía ficción que había metido cosas de su vida, y, en cambio, cuando no escribía ficción, le decían que se lo había inventado. Por eso decidió llamar al personaje como él mismo, aunque no fuera exactamente él.

Hasta que volvió a publicar, desempeñó otros trabajos y algunas veces escribió para el periódico. Hace tres años se entrevistó con una agente de la HBO en Nueva York, que buscaba nuevas ideas entre los escritores. Jonathan Ames le habló de un relato corto que había escrito, Bored to Death. A la agente le interesó y entonces el escritor viajó a las oficinas de la HBO en Los Ángeles. Tras una sesión de pitching, el proyecto fue aprobado. La serie se estrenó en el canal de pago el año pasado, con una primera temporada formada por 8 episodios.

Pudimos ver el episodio de Bored to Death. Por lo que vi, la serie me interesó, con sus toques de humor negro. El episodio, al menos, me causó una buena impresión. Luego Jonathan Ames nos prometió que el segundo sería mucho mejor, porque siempre el primer episodio está destinado a trazar las líneas argumentales que seguirá la temporada. Además, nos anunció que en el segundo episodio sale él interpretando a otro personaje y podremos verlo nada más y nada menos que desnudo. Pensó que sería una buena idea, porque nunca antes ningún creador de series lo ha hecho.

Sin embargo, esto quizá haga que aumente su fama de pervertido. Según contó, en el 200o publicó una novela que tituló What’s Not to Love?: The Adventures of a Mildly Perverted Young Writer, intentando hacer un juego de palabras con el título de otra novela. Esto, sumado al contenido sexual frecuente en sus obras, hizo que la prensa empezara a referirse a él como “el escritor pervertido” y otros nombres parecidos.

También contestó después las preguntas del público y de la mujer encargada de presentar el acto. Habló sobre el proceso creativo, al que apenas pone obstáculos la HBO. Cada vez que acaba un guión, lo envía a la cadena y ésta le hace comentarios, siempre muy respetuosos con el contenido. Entonces él decide lo que quiere cambiar y lo que no. Se refirió, por último, a otros temas como el trabajo con los actores, el rumbo de esta temporada y la mezcla entre comedia y drama que intenta buscar.

Sin duda fue un taller divertido, que,además, me presentó una serie que no conocía. Creo que voy a empezar a ver Bored to Death.

Miguel Esteban Rebagliato

Festival de Series: Autopromos-Marketing (Jornadas universitarias)

Ayer por la mañana los directores de marketing y On Air de varios canales de Digital + acudieron a la Universidad Complutense de Madrid para dar una charla sobre promoción de series. Durante aproximadamente tres horas, los responsables de SyFy, Paramount Comedy, FOX, TNT, Cosmopolitan, AXN y Canal + contaron casos y estrategias de promoción de series como Caprica, Breaking Bad, Flashforward y The Pacific.

En primer lugar, la persona enviada de SyFy contó la campaña que el canal hizo para el lanzamiento de Caprica, que también aprovechó para introducir el cambio del nombre del canal y del logo. El principal acto de promoción que se hizo fue el preestreno del episodio piloto en una sala de cine. Dado que la mayoría de los usuarios de Internet ya se habrían descargado el episodio y ya lo habrían visto, trajeron a los protagonistas de la serie, el creador Ronald D. Moore y la actriz Alessandra Torresani. La iniciativa tuvo una gran acogida, tanto por parte de Internet como por parte de la prensa. Para generar el ruido que consiguieron habrían tenido que gastar 300.000 euros si no lo hubieran hecho de esta forma.

El encargado de On Air de Universal, compañía a la que pertenece el canal, explicó que traer a los actores al país permite tener promociones más especializadas, del mismo modo que incluir en las promos entrevistas al creador hace que la información sea más interesante para el espectador.

A continuación, el jefe de On Air de Paramount Comedy y la jefa del departamento de marketing han mostrado el proceso habitual que tienen para promocionar sus series, aunque han advertido que su canal tiene un porcentaje menor de series norteamericanas que el resto. El marketing de la comedia suele ser diferente al de otros géneros y, ya que el peso está fundamentalmente en los guiones, suelen mostrar extractos de los episodios para hacer ver al espectador que es una serie divertida. En el caso de encontrarse ante dramamedias, optan por ser más explicativos, como en el caso de United States of Tara, en el que decidieron explicar quién era el personaje de Tara. Otras opciones son doblar promos norteamericanas y emitirlas, cuando no se tiene mucho material, o, en el caso de que la serie lleve mucho tiempo en el canal, hacer ciertas bromas sobre ella o sobre cómo se cuenta.

En cambio, en Paramount se encontraron con un problema a la hora de hacer una promo para Breaking Bad; no sabían qué hacer para promocionar una mezcla de droga, drama y comedia. En primer lugar, intentaron mostrarla renunciando al prototipo de promo de su canal, optando por una solución más dramática. En la segunda temporada, decidieron presentarla con un tono más cómico, propio de Paramount Comedy. Ya en la última temporada, asumiendo que no era una serie para un público mayoritario, hicieron unas promos dirigidas a los fans, centrándose en temas controvertidos como la religión y las drogas. También, hicieron una merienda con bloggers, les regalaron merchandising y recibieron opiniones. Breaking Bad se ha convertido en una serie de culto, con muy buena prensa, pero con no mucha audiencia. No obstante, esto le da buena imagen a Paramount Comedy.

La siguiente intervención fue la del director de marketing de FOX, que se centró en el lanzamiento de su nuevo canal, FOX Crime. Se promociona aprovechando la reputación que ya tiene FOX; a su sello se le añade un nuevo contenido temático, el crimen. El canal se lanza en marzo y se hace una promoción más informativa, que tiene como principal reclamo los estrenos en primicia de la nueva temporada de Dexter y de Sons of Anarchy. Sin embargo, la campaña de verano es diferente, pues se hace publicidad en la Tomatina, “la guerra más sangrienta del año”, así como en playas y otros sitios de vacaciones. Mientras que la primera promoción es “Descubre un nuevo canal”, en verano encontramos otro tipo de publicidad, como la de la imagen.

La directora de marketing de TNT explicó que en todas sus comunicaciones intentan reflejar los valores del canal. Así, siempre utilizan la tipografía de TNT para el titulo de la serie y muestran a gran tamaño el logo del canal. Como novedad, se refirió a una campaña que se hizo de Crónicas vampíricas. El canal se asoció con la campaña de Cruz Roja para donar sangre, de manera que, al juntar esfuerzos, consiguieron un mayor alcance.

Por su parte, el director de marketing y On Air de Cosmopolitan se refirió al caso de la promoción de Cougar Town. Puesto que se trata de un canal principalmente dirigido a un público femenino, se optó por introducir una estética rosa. Se hizo una campaña convencional con anuncios en marquesinas en Madrid y en la web de la revista Cosmopolitan. También hicieron una presentación de prensa en la que todo fue de color rosa, incluso el traje de los camareros.

Sin embargo, lo que les dio mucha notoriedad fue un acuerdo al que llegaron con el portal de citas Meetic para hacer un estudio de los hábitos de las mujeres. Después de que en una semana aproximadamente 1000 mujeres rellenaran una encuesta, hicieron una nota  de prensa con los resultados del estudio y los medios empezaron a hacer eco. Como consecuencia, en diversas revistas se empezó a hablar de mujeres de 40 años y se estableció el término mujer cougar. Consiguieron aumentar la audiencia, por lo que el resultado de la campaña fue positivo, pese al poco presupuesto que tuvieron.

En el turno de AXN, su director de marketing y responsable de autopromos habló del caso de Flashforward, una serie con la que consiguieron crear mucha expectación antes de su emisión. El caso fue bastante particular, porque se emitió solo 11 días después que en EE. UU. y solo 3 días antes de que Cuatro la emitiera en abierto. Las primeras promos se hicieron sin nada de material de la serie, por lo que se compró material de un banco de imágenes. Para la promo de lanzamiento sólo tuvieron un tráiler de 2 minutos en inglés, que emitieron doblado.

La gran expectación por la serie se generó mediante anuncios autobuses urbanos en Madrid y Barcelona, Internet, un preestreno en cines y otros medios. ABC les pidió que hicieran promos episódicas y ellos las usaron para resaltar que iban por delante de Cuatro en las emisiones. En muchas ocasiones cambiaron las promos que la ABC enviaba, o bien porque no tenían el material doblado todavía o bien porque las hacían según la imagen que el canal quería dar, enfocado a la acción.

El 7 de diciembre hicieron un parón en la emisión y la serie no volvió hasta 4 meses después. En el mercado estadounidense es típico que se dé un parón a partir de Acción de Gracias y las emisiones se reanuden en enero, explicó, pero esto no funciona bien en el mercado español. Además, en este caso se alargó porque la ABC no estaba convencida de cómo funcionaba la serie, puesto que frecuentemente presentaba episodios muy flojos con grandes giros al final.

AXN se apoyó en la web para informar sobre el parón y en ella crearon una línea de tiempo que mostraba la promo de cada episodio y su sinopsis. En el canal se emitieron promos  en las que los actores de la serie anunciaban el regreso y se hizo un maratón antes de la reanudación. Asimismo, crearon una aplicación en Facebook en la que el usuario podía tener su propio Flashforward, y les dio muy buenos resultados. Las audiencias fueron espectaculares en AXN, excepto en las emisiones inmediatas a la reanudación, pero la serie fue cancelada a causa de las bajas audiencias en EE. UU.

Por último, la coordinadora de estrategia de comunicación de Canal + y el director de comunicación se centraron en la campaña de The Pacific, contenido estrella del canal en 2010. Explicaron que, desde que se compra una serie, tienen que analizar los puntos fuertes, ver las campañas americanas y, a partir de esto, elaborar el posicionamiento que van a utilizar. Decidieron basar la estrategia de comunicación en el punto de vista personal de la historia y la dimensión del proyecto, es decir, el estreno simultáneo con EE. UU. y los nombres detrás del proyecto. Decidieron anunciarla como “la serie del año”.

Una vez en antena, se emitió Hermanos de sangre antes de cada episodio y un prólogo de veteranos de guerra contando durante dos minutos sus experiencias. El estreno simultáneo conllevó ciertas dificultades, pero no tuvo parones como en el caso de Flashforward, porque The Pacific fue una miniserie de 10 episodios.

Tras las intervenciones de todos, se inició un turno de preguntas del público. Alrededor de las tres y media concluyó la charla.

Miguel Esteban Rebagliato

Festival de Series: Homenaje a Perdidos e Inauguración

Hoy, jueves 21, se ha inaugurado en Madrid el II Festival de Series. La convocatoria, organizada por Digital + y sus canales de series, tenía como principal atractivo un acto de homenaje a Perdidos. En un principio iba a venir Damon Lindelof, creador de la serie, pero para mi desgracia no pudo venir. Naveen Andrews (Sayid en la serie) iba a sustituirlo, aunque finalmente ha sido Nestor Carbonell (Richard) el que ha venido, acompañado de Jack Bender, productor de Perdidos, director de muchos de sus episodios y de otros de series como Los Soprano.

He llegado a Madrid a mediodía, así que no he podido asistir a la primera de las charlas en la Complutense. Según me han dicho, responsables de varias cadenas de pago han contado cuáles eran las apuestas de sus respectivos canales para esta temporada y cómo llevan a cabo el proceso de selección de nuevas series. Yo he ido directamente al Círculo de Bellas Artes, donde se celebran la mayoría de los actos, a ver si podía conseguir entradas para el homenaje a Perdidos.

He llegado con tres horas y media de antelación y no había nadie todavía. Después de darme una vuelta me he encontrado con las primeras tres personas y ya me he puesto a hacer cola. He conocido a personas interesantes mientras esperaba, muchos de ellos estudiantes de comunicación audiovisual. Resulta curioso ponerte a hablar con alguien y que haya visto muchas de las series que habitualmente ves; algo bastante raro, en realidad.

Pasadas las cinco, a menos de una hora del inicio, hemos conseguido entradas y hemos esperado en el segundo piso para entrar. La organización no ha sido precisamente muy buena en este sentido, porque no han sabido crear una cola y al final hemos acabado entrando casi en estampida. A pesar de todo, hemos conseguido un buen sitio en la quinta fila, bastante cerca del escenario.

Por fin, unos minutos más tarde de la hora prevista, han salido Nestor Carbonell y Jack Bender, junto con un periodista que se ha encargado de hacerles preguntas suyas y de otros que las habían enviado por Internet, y un directivo de la FOX, que ha presentado el acto y ha traducido lo que Jack Bender decía. El encuentro ha estado realmente bien, no porque nos haya revelado muchas cosas nuevas, sino porque ha cumplido su principal objetivo: homenajear a una gran serie como ha sido Perdidos.

Antes de empezar con las preguntas, hemos visto en la pantalla un vídeo de Damon Lindelof, disculpándose por no poder venir y agradeciendo el apoyo. En su mensaje, ha sido gracioso advertir que llevaba una botella de agua de la Iniciativa Dharma. Tras ello, en líneas generales, Jack Bender y Nestor Carbonell no han tenido más que buenas palabras hacia la serie, la historia, el reparto y las experiencias que tuvieron en Hawai. Ambos han defendido el final de la serie, subrayando la importancia de dedicarle más atención a los personajes que a los misterios de la isla. No ha sido nada que no esperáramos, pero al fin y al cabo pienso igual que ellos.

Como anécdota, ha resultado gracioso un momento en que a Jack Bender le han preguntado qué escenas le gustaba dirigir más, si las de acción o las dramáticas. Se ha mostrado un poco indeciso al principio, pero al final ha dicho que, aunque ambas le interesan mucho, prefiere las dramáticas. Acto seguido, ha pedido que levantaran la mano aquellos a los que les gustaran más las escenas de acción,y luego ha preguntado por las dramáticas. El resultado ha sido claramente a favor de las escenas dramáticas y Jack Bender ha acabado preguntándole al público que, si eso era así, por qué a nadie le había gustado el final de la serie.

Después del homenaje a Perdidos, era la hora de la inauguración del festival. La entrada solo estaba permitida para los que tuvieran invitación. Por suerte, me había tocado una en un concurso de Digital +, aunque el acto no ha resultado ser tan interesante como el anterior.

A las diez y media han abierto el salón de la segunda planta, donde se celebraba la inauguración. Mientras unos camareros repartían bebidas, he podido ver una exposición muy interesante del festival. En un panel gigante han señalado los grandes hitos de la televisión desde los 70 hasta la actualidad, desde las series más importantes, hasta los autores y los desarrollos tecnológicos más destacables.

Al rato, un hombre de Paramount Comedy se ha subido al escenario y ha hecho un monólogo sobre series. No le he visto la gracia; caía en tópicos todo el tiempo y hacía bromas demasiado fáciles. José Coronado ha hecho de presentador, leyendo un discurso preparado y hablando de series que se notaba que no había visto nunca. Después un directivo de Digital + ha hecho un pequeño discurso y José Coronado ha concluido presentando a los invitados del festival. Todo aquello parecía demasiado oficial, demasiado artificial. Por suerte, he podido comer unos cuantos canapés luego.

Y lo mejor de todo es que Nestor Carbonell ha pasado por al lado de donde yo estaba y he podido hacerme una foto con él. Sin duda, lo mejor del acto de inauguración.

Miguel Esteban Rebagliato

 

The Big Bang Theory: ¿reforzando la fórmula?

Han pasado cuatro semanas desde que empezó en Estados Unidos la cuarta temporada de The Big Bang Theory y ya empiezan a advertirse los posibles rumbos que la serie tomará este año. En mi opinión, ha habido dos episodios muy buenos, el segundo y el cuarto, y dos bastante normales, el primero y el tercero.

Se ha añadido un nuevo personaje que, desde mi punto de vista, no termina de encajar. Se trata de Amy, la copia femenina de Sheldon, que ya hizo su primera aparición en el último episodio de la temporada anterior. Su presencia ha creado situaciones graciosas, pero también ha provocado cierta saturación. Si bien es cierto que Sheldon es el mejor personaje de la serie, la aparición de este nuevo personaje me da la sensación de que es un intento de sobreexplotación de su éxito. Precisamente los dos mejores episodios de esta nueva temporada son aquellos en los que Amy no aparece.

No obstante, no es solo esto la causa de todo éxito o fracaso. El último episodio me ha parecido muy bueno porque los guionistas han sabido juntar dos líneas narrativas fuertes, de manera que todos los personajes han tenido un papel importante y, para variar, el verdadero protagonista ha sido Howard (y sus amores). En cambio, esto no fue lo que pasó en el primer episodio, en el que hubo una historia muy bien escrita para Sheldon, acompañado de Penny, y otra muy simple y previsible en torno al resto de personajes.

El caso del segundo episodio es casi opuesto. El gran protagonista fue Sheldon como muchas otras veces, pero en esta ocasión de una forma muy novedosa. Este episodio consiguió dar una vuelta de tuerca a las paranoias de Sheldon y casi podríamos decir que reinventó al personaje.

Llega un momento en que toda serie tiene que plantearse revisar su fórmula y modificarla, si resulta necesario, para asegurar su continuidad. Parece que esto es lo que están intentando los guionistas de The Big Bang Theory, con mejores o peores resultados.

No creo que el personaje de Amy sea la manera de hacerlo, sino que me da la sensación de que es, al fin y al cabo, lo mismo de siempre con una etiqueta diferente. Lo que hace falta son nuevos ingredientes, como la versión cibernética de Sheldon del segundo episodio, por ejemplo; su curiosa relación con los gatos en el tercero, y, ante todo, un mayor protagonismo del resto de personajes, como en el caso de Howard en el cuarto episodio.

No digo que de momento esté siendo una mala temporada. The Big Bang Theory siempre ha sido entretenida, y sigue siéndolo, incluso en los episodios más flojos. De hecho, no creo que haya habido en toda la serie un solo episodio sin ninguna situación graciosa. Sin embargo, prefiero los episodios que les salen redondos, los que no se centran en unos personajes en detrimento de otros y los que están llenos de situaciones graciosas, como ha sido el caso de este último. La serie puede tomar varios caminos; sólo espero que sepan reforzar su fórmula.

Miguel Esteban Rebagliato

Buried: crónica de un entierro

(Esta entrada fue publicada en uvalencia.info)

La idea de ir a ver una película que se desarrolla únicamente dentro de un ataúd puede asustar a unos y fascinar a otros, pero si algo caracteriza Buried es la idea original sobre la que se construye la película, basada en la novela El que habla con los muertos de Brian Lumley. Pocas películas plantean su acción en un único escenario y muchas menos en uno tan pequeño como éste.

El principal interrogante que la película puede suscitar es si el director va a ser capaz de mantener la atención del espectador durante una hora y media, sin que se pierda el atractivo. Rodrigo Cortés no tiene problemas en conseguirlo. Buried mantiene el ritmo con una trama que no da tiempo al espectador a tomarse un respiro. Desde los primeros minutos de metraje hasta el trepidante y sorprendente final, con un inesperado giro, nos vamos identificando progresivamente con el personaje; sentimos su ansiedad, su desesperación.

El director opta por contar su historia recurriendo a una dilatación temporal: el personaje pasa en el ataúd menos de una hora, pero nosotros lo percibimos como una hora y media. Si bien este recurso le sirve para acentuar el dramatismo y el suspense, quizá un tratamiento en tiempo real, al estilo de la serie 24, podría haber aportado un mayor efecto de ansiedad.

En el nivel técnico, uno de los elementos clave con los que juega la película es sin duda el sonido. Desde el principio, cuando sólo oímos una respiración entrecortada, la película utiliza el sonido para reforzar sus imágenes y todo aquello que quiere transmitir, e incluso, en ocasiones, éste se convierte en el verdadero protagonista. Resulta muy acertada, por otra parte, la decisión de utilizar únicamente iluminación diegética, es decir, fuentes de luz que aparecen en la trama, como un mechero y un móvil, pues, de lo contrario, el resultado habría sido un tanto artificial.

También es clave el uso que se hace del fuera de campo, ya que sirve para construir la mayoría de la trama. Así, aunque no tenemos flashbacks del personaje ni contraplanos de las personas a las que éste llama, podemos comprender todas las dimensiones de la historia sin que se pierda la intensidad.

Buried es una película que puede gustar o no, que puede hacer que el espectador se identifique en mayor o menor medida con la situación del personaje, pero hay que reconocer, en cualquier caso, la originalidad, la valentía y el atractivo de su propuesta.

Pablo Martí y Miguel Esteban


 


Autor

Miguel Esteban Rebagliato

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Cine Series

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